Su realización entronca directamente con la raíz de la fotografía, con la captación de la esencia misma del momento, del sentimiento. No hay intermediarios. Eres tú, la cámara y el sujeto. Sin más. Un excelente dominio de la técnica fotográfica no siempre es suficiente; el fotógrafo que se decante por esta actividad debe ser capaz de captar el alma de la/s persona/s fotografiadas, codificarlo internamente y transmitirlo en imágenes. Eso, tan sencillo y tan difícil al mismo tiempo, es un don reservado a muy pocos profesionales. Tu decisión de apostar por ello y dedicarte profesionalmente a esta actividad es algo que admiro, ya que demuestras un interés por los retos difíciles y la capacidad de superarlos. Felicidades.

Desde un punto de vista técnico me gustaría comentar tres aspectos relativos a la composición, la iluminación y los sujetos. En lo referente a la composición, en términos generales aplicas perfectamente las reglas básicas del retrato: los encuadres son los idóneos para cada situación; el enfoque y la profundidad de campo, aspectos que podrían ser problemáticos en un principio, están completamente controlados; la óptica es la correcta, sin distorsiones focales provocadas por un mal uso de los angulares; los fondos son neutros y normalmente desenfocados. Perfecto. Y ese es quizá el problema que yo percibo en tus imágenes: todo es demasiado perfecto, demasiado “académico”. Echo de menos tu mirada real, tu ojo fotográfico, tu propio estilo. Gestos, detalles, miradas, algo de movimiento… No distingo nada que te haga diferente de otro fotógrafo con el mismo dominio de la técnica frente a una situación similar. Echo de menos una historia y no fotos bonitas sin más. Esa es mi mayor crítica: veo en tus imágenes un trabajo comercial sin un alma detrás. Por eso te propongo que seas tú misma, que te olvides por un instante de la técnica y que dejes volar tu creatividad.

En cuanto a la iluminación, más allá de la elección de luz natural o luz artificial (utilizas, o así parece a simple vista, ambas), creo que es un aspecto a trabajar. Una buena iluminación marca la diferencia entre una buena y una mala foto, entre transmitir y no transmitir. Muestras un buen dominio en algunas ocasiones (como en el caso de las niñas posando junto a los árboles), pero en otras el uso del recurso es demasiado evidente. Todo debe ser más sutil, más natural.

Por último, los sujetos, una dificultad importante que has solventado bien, pero que en el futuro exigirá mucho de ti. No siempre tendrás ante ti personas guapas o bien vestidas, que se sientan cómodas frente a la cámara, que respondan a tus requerimientos. Dado que tus futuros modelos serán en gran medida niños y parejas, captar la sensibilidad que desprenden se convertirá en tu prioridad. En la serie de imágenes que he podido contemplar se nota tu experiencia en este campo, ya que has resuelto este aspecto a la perfección, haciendo que al menos a nuestros ojos parezcan modelos profesionales (no sé si lo son o no), cómodos frente a la cámara y receptivos. Felicidades una vez más.

La dificultad que puede vislumbrase en este estadio es, quizás, la similitud con otros proyectos del mismo estilo de autores de tu misma generación, o incluso un poco mayores, que podría llegar a invisibilizar tu discurso, a ponerlo en sordina. Es decir, que las imágenes puedan interpretarse de forma excesivamente formal o literal  porque en este momento hay muchos fotógrafos trabajando en esta misma línea, y eso genera, inevitablemente, muchas interferencias. Por otra parte, esta problemática puede también constituir un desafío que te obligue a ocuparte con mayor intensidad  y dedicación a la articulación de las líneas discursivas por las que discurre el proyecto, sin dejar de lado por ello tus referencias estilísticas predilectas.

En este sentido sería beneficioso quizás que, antes de seguir fotografiando o, en todo caso, paralelamente al desarrollo que vaya a tener el proyecto, ahondaras más en tus hipótesis que propone el trabajo. Tu planteamiento inicial es interesante pero me parece que es todavía excesivamente general, haría falta una mayor concreción en los postulados de base. Y no me refiero únicamente a que decidas ahora mismo si quieres trabajar en una o en varias ciudades, sino a qué aspectos de las estructuras arquitectónicas y aquello que ponen en juego en la vida diaria te interesa realmente analizar a través de la cámara. ¿Qué hay realmente detrás de tu interés por este tipo de estructuras? ¿Qué es lo que te interpela de ellas y cuales son las problemáticas que te interesa reflexionar a través de tus fotografías? Seguramente ya lo estarás haciendo, pero es fundamental que tus propias interrogaciones y sus posibles respuestas puedan servirte de guía; no únicamente para justificar tus gustos, sino también para proponer una interpretación que aporte nuevas reflexiones respecto a este tipo de estructuras urbanística y arquitectónicas que has escogido fotografiar.

En la edición del porfolio la cuestión de las verjas tiene un protagonismo que roza la redundancia. Si trabajar la reiteración es un enfoque por el que decantas conscientemente, es importante lidiar meticulosamente con esta cuestión para señalar posibles vías de interpretación. Si se trata de una cuestión más amplia sobre el concepto de acceso y su imposibilidad, no estaría de más ahondar en el tema de tal forma que también aportes al espectador un saber específico sobre este lugar o este tipo de estructuras.

En lo que respecta a la imagen de los trabajadores, constituye un giro interesante y plantea aspectos que en el desarrollo de tu proyecto sería importante evitaras tomar  a la ligera, de forma excesivamente genérica o como algo exclusivamente atractivo desde un punto de vista estético. En tu correo hablabas de “guante inverso”. Me parece una imagen muy sugerente, aunque no estaría más que te sirviera para ir superar esa primera oposición a la que apuntabas en un correo aludiendo a la dicotomía edificio construido/constructor o la de ruido/silencio, ya que podría ser una “puerta” que abre cuestiones particularmente interesantes a explorar.

En suma, me parece un proyecto muy prometedor si puedes ir concretizando y ahondando en tus planteamientos discursivos, cosa que estoy segura lograrás llevar a buen término.

Me permito sugerirte alguna lectura que quizás puede ser estimulante para tu proyecto, así como autores con los que podrías tener interesantes lazos de afinidad.

Con mis mejores deseos,

Marta

Guido Guidi, A New Map of Italy, 2011

www.loosestrifebooks.com .

Dieuwertje Komen, especialmente su proyecto Commonness

www.dieuwertjekomen.nl/work/commonness/exhibition/attachment/04/

Jean François Chevrier, Des Territoires. Paris : l’Arachnéen, 2011.

Muy especialmente la entrevista a Rem Koolhas : « Changement de dimensions ». Págs. 48-

Francesco Careri, Walkscapes. El andar como práctica estética. Barcelona: Gustavo Gili, 2003. (El original está en italiano).

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Sin embargo, al visionar detenidamente el material que presentas en tu serie, tengo que decirte que esa expectación que habías conseguido generar en mí con el enunciado del tema se va disolviendo poco a poco. No entraré a valorar la calidad de la fotografía en sí misma –asunto que en este momento me parece secundario pero que abordaré al final del comentario–, sino que me centraré en lo que considero más importante: cómo desarrollas el tema. Tienes una buena idea, tienes los medios, tienes las preguntas y tienes la ilusión… Y sin embargo, me faltan las respuestas. El conjunto en general carece de fuerza testimonial, le falta el empuje necesario para que estas fotografías digan algo, signifiquen algo.

La fotografía documental, social o testimonial, como quieras llamarla, busca reflejar las condiciones y el medio en el que se desenvuelve el sujeto. Su objetivo puede variar, pero habitualmente su carácter es eminentemente social, de denuncia, de llamada de atención sobre una situación que queremos cambiar o transformar. Para entendernos, la fotografía documental pretende despertar la consciencia de la sociedad, movilizarla en una dirección, sensibilizarla sobre un tema en cuestión. Estoy seguro que eso ya lo sabías, y que con toda seguridad lo tenías interiorizado al iniciar este trabajo. Veamos entonces: en tu caso, el medio a reflejar es la vida en las grandes ciudades, la presión que ejerce sobre las personas; la condición a denunciar es, por otro lado, la alienación que esta genera en los individuos. Sin embargo tus fotografías no despiertan esos sentimientos en mí. Hay algunas imágenes que parecen querer adentrarse en ese terreno (por ejemplo la del chico sentado junto a las vías del tren, quizá la de la mujer asomada a la ventana, aunque ni la actitud de ella lo demuestra ni el entorno elegido es el más apropiado), pero tampoco lo consiguen del todo. No sé si los chicos que caminan junto a la valla buscan la pelota que han perdido mientras jugaban junto a ella o realmente se trata de seres excluidos por el entorno. Me inclino más a pensar lo primero que lo segundo. Algo similar ocurre con el hombre pasando frente a los edificios de cristal. Entiendo lo que quieres mostrar (todos hemos intentado ese recurso alguna vez), pero no lo consigues (quizá por el encuadre, quizá por la composición).

En cuanto a la calidad fotográfica hay que decir que la luz es bastante deficiente; el procesado de la imagen prácticamente inexistente; los encuadres manifiestamente mejorables; las poses excesivamente confusas (en un caso alguien parece incluso estar haciendo pis). Todo demasiado lejano, demasiado sutil. Considera que si tomas el individuo, la persona, como parte importante de la sintaxis de una imagen, no puedes ni debes obviar lo más evidente y comunicativo que esta tiene: su cara. Y para conseguirla HAY QUE ACERCARSE!!!

Del mismo modo, percibo un excesivo abuso del muro como barrera infranqueable, como elemento separador de uno y otro mundo (aparece en casi todas tus imágenes). En principio es un buen recurso narrativo, pero si abusas de él pierde todo su significado precisamente por su carácter repetitivo.

Me gusta la fotografía del hombre en el muro de hormigón. Ahí sí podría llegar a percibir lo abrumador de la ciudad, el peso del cemento sobre mí, la asfixia del entorno. Una mejor iluminación, probar con otros encuadres y un poco de posproducción la harían mucho más potente.

Recuerda que has conseguido fijarte un tema brillante y complejo, que tienes clara la idea que quieres plasmar y el camino que has de recorrer. Es mucho más de lo que muchos fotógrafos pueden decir. Trabaja con más seriedad las imágenes, dedícales más tiempo, encuentra mejores escenarios, y tendrás el resultado que deseas.

La segunda galería, a pesar de que presenta una composición mucho más débil que la primera, tiene algo más de fuerza. La calidad de las imágenes es correcta, pero sin que se perciba un trabajo de posproducción. Hay constancia y perseverancia –observo que has permanecido todo un día fotografiando el objeto elegido–, lo cual es digno de elogio. Sin embargo, me falta proximidad. No quiero caer en el tópico, pero lo que decía Robert Capa sobre la cercanía y la calidad de la foto (“si una foto no es buena es que no estás demasiado cerca”) vendría bien aquí. Las imágenes están tiradas desde demasiada distancia (no sé si de manera intencionada, pero si es así no consigue el propósito deseado), como si tuvieras temor a invadir el espacio del sujeto a retratar, de herir sus sentimientos por el hecho de fotografiarlo. No te implicas, no te mojas. Y debes hacerlo. No temas acercarte, es parte del trabajo. El lector entenderá que tu presencia en cierto modo distorsiona la realidad fotografiada, y así es, pero eso no debe preocuparte. Me falta pues un punto de decisión, más valentía en el planteamiento, más sugerencias creativas en la composición; de otro modo, se corre el riesgo de aburrir. ¿Qué hay en el interior de la tienda de campaña? ¿Qué posesiones tiene el indigente? ¿Una manta? ¿Quizá una pequeña fotografía de su familia en Senegal? ¿Cervezas? Esas son preguntas que un lector querría ver respondidas en tus imágenes. Así lograrías la intensidad y la emotividad que estos trabajos necesitan. La foto 7 es la que más se aproxima, en mi opinión, a lo que es un verdadero planteamiento fotoperiodístico de una escena urbana de estas características: uno casi puede sentir el frío de la noche, la soledad y el desamparo del individuo frente a la gran ciudad cuyas luces se dibujan en el fondo, el contraste con los turistas que disfrutan con la ciudad iluminada.

Por último, me hubiera gustado que jugaras con los planos: un primer plano de un rostro curtido, que muestre el sufrimiento (si es que es eso lo que quieres plasmar) de vivir en la calle; unas manos que cuenten la historia de un inmigrante en busca de una vida mejor; unos ojos que respiren el desaliento, ilusión, tristeza o alegría, lo que sea, pero que cuenten algo.

Credo infatti che questo possa essere un possibile embrione per un lavoro futuro. Martin Firniss potrebbe provare a giocare sull’alternanza di paesaggio naturale e paesaggio urbano, sottolineando similitudini e differenze.

A questo proposito per trarre spunti di lavoro, senza aderire necessariamente alla tesi esposta, consiglio la visione di Koyanisqatsi, film del 1982 diretto da Godfrey Reggio in cui la contrapposizione tra mondo naturale e mondo costruito dall’uomo è affrontata con grande attenzione.

Altro aspetto interessante nelle immagini di Martin Firniss è l’essersi concentrato sulla materia che costituisce i palazzi. Il vetro che crea le superfici, riflette la realtà circostante, la deforma, creando nuove interpretazioni. Da questo punto di partenza di può estendere l’analisi ad altri materiali dell’architettura per dare maggiore spessore al lavoro in futuro.

Qualche punto debole si riscontra invece al livello di postproduzione. Le fotografie della città sono giocate sull’articolazione dei piani architettonici, ma la resa tonale e cromatica tende ad appiattire proprio la distinzione dei piani. Una maggiore differenziazione di questi ultimi migliorerebbe il risultato. Infine una notazione relativa alla coerenza delle immagini. La figura umana che compare unica nei paesaggi urbani inoltre offre il fianco a possibili critche, quantomeno per l’espressione del soggetto raffigurato che non è certo delle più felici. Tagliare l’uomo in basso a sinistra, significa attribuire un ruolo al fuoricampo, ruolo che però non ha senso in termini narrativi.

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He visto con mucho interés el trabajo que presentas y hay algo que todavía no termina de quedarme claro en tu propuesta: ¿es el viaje o es la fotografía lo que te motiva? ¿O son ambas cosas a la vez? Porque, aunque pueda parecerte que están irremisiblemente unidas en una perfecta simbiosis, no siempre es así. ¿O sí? ¿O quizás no? Como verás, el problema que yo te genero ahora con mis preguntas es el mismo que tú me planteas a mí con tus fotografías: la indefinición del planteamiento. ¿Es esto, es lo otro o es lo de más allá? Antes de tomar una cámara es importante saber qué se busca en la fotografía, qué se quiere contar a través de este lenguaje, qué se trata de transmitir. ¿Quieres hablarnos sobre la vida de las familias gitanas? ¿Sobre la situación de los niños? ¿Sobre la feria de los caballos y de los camellos? ¿O sobre el ambiente caótico del lugar? No consigo verlo claro. Esa es la cuestión.

El problema de la indefinición, a pesar de los serios inconvenientes que genera, tiene también una fácil solución. Recurriendo a la terminología fotográfica es lo que podría llamarse “foco”. Es decir, céntrate. En tu caso particular, en el momento en el que tu ojo comienza a mirar por el visor de la cámara debes aparcar el chip viajero y poner en marcha el fotográfico. El viaje te permite llegar a un lugar, a una historia. Pero una vez allí (salvo que el viaje sea la propia historia), la fotografía toma el mando. Por tanto, deberás elegir la historia que quieres contar y estudiarla, plantearte cómo abordarla, analizar cómo tratarla, como plasmarla y seguir una línea argumental: a través de retratos, a través de los niños, a través de los animales, a través del caos, a través de paisaje. Elige, elige, elige.  Sólo así serás capaz de ofrecer un conjunto de imágenes que cuenten, transmitan, conmuevan o denuncien, según cual sea tu objetivo.

En general, todas tus fotos son correctas. De hecho hay algunas excelentes, como la del caballo levantándose sobre dos patas. Aún así, en lo relativo a la técnica fotográfica, también hay terreno para la mejoría. Encuentro sombras demasiado duras, ausencia de detalles, encuadres muy complejos y que, precisamente por eso, no transmiten, fotos que pierden su fuerza emotiva (¡¡¡ojo con las fotos de niños desnudos, aunque no haya nada sucio en tu mirada, las cosas están muy serias en este aspecto!!!), nula utilización del flash… Es cierto que ahora impera, especialmente entre las agencias, una tendencia a recuperar este tipo de fotografía “casual”, basada en el concepto “estas son las condiciones que encuentro, esto es lo que muestro”, pero yo prefiero la fotografía trabajada, la que lleva su tiempo, la que requiere paciencia para dar con la mejor luz, con el mejor encuadre. Eso solo pueden permitírselo los grandes profesionales (y no siempre) y los aficionados. Como suele decir José Manuel Navia, Premio Fotopresss y Premio Godó en fotoperiodismo (y recordarme constantemente mi buen amigo y fotógrafo Paul Alan Putnam), en fotografía el dinero solo compra tiempo. Tiempo para pensar, tiempo para mirar, tiempo para encuadrar, para enfocar, para decidir. Muchas de las fotos que me muestras tendrían la fuerza necesaria si se hubiera empleado en ellas algo más de tiempo, aprovechando por ejemplo las mejores condiciones de luz que ofrecen determinadas horas del día. Pero claro, como te decía antes, soy consciente de que solo unos pocos afortunados pueden permitirse ese lujo.

Aún así, en las difíciles condiciones que imagino debieron rodear a tu trabajo, puedo decirte que has hecho un buen trabajo.